Die besten Kunstausstellungen, die es diesen Herbst zu sehen gibt

Nov 18, 2023

Von Stephanie Sporn

Da die Ausstellungspläne der Museen dichter denn je sind, gibt es diesen Herbst viele Ausstellungen zu besuchen. Während Giganten der Kunstgeschichte wie Ed Ruscha und Judy Chicago im Mittelpunkt umfassender Retrospektiven in New York stehen, gibt es auch unzählige Möglichkeiten zum Entdecken – seien es die innovativen zeitgenössischen Künstler Yvette Mayorga und Donna Huanca, die beide dabei sein werden haben ihre ersten großen Einzelausstellungen an der Ostküste oder übersehene Künstlerinnen aus vergangenen Jahrhunderten. Vor uns liegen Ausstellungen zu den Themen Fotografie, Textilkunst, Performance-Kunst und mehr, an denen jeder, vom Kunsthistoriker bis zum Feinschmecker und Filmfan, Freude haben wird.

Sarah Goodridge, Rose Prentice (1771–1852), ca. 1837–38. Aquarell auf Elfenbein. Yale University Art Gallery, teilweise Schenkung von Caroline A. Phillips und erworben mit John Hill Morgan, geb. 1893, ll.b. 1896, Hon. 1929, Fonds.

Die Gegenwart konfrontiert die Vergangenheit in der neuesten Ausstellung von Mickalene Thomas, die eine Abkehr von ihren hochglamourösen Gemälden schwarzer Frauen in elektrischen Innenräumen darstellt. Mit „Mickalene Thomas / Porträt eines unwahrscheinlichen Raums“ hat die Künstlerin eine neue Installation mit mehreren Galerien entworfen, die an häusliche Umgebungen aus der Zeit vor der Emanzipation erinnert. Die zeitgemäßen, mit Möbeln ausgestatteten Räume sind außerdem mit amerikanischen Porträts schwarzer Frauen, Männer und Kinder aus dem 18. und 19. Jahrhundert sowie zeitgenössischen Kunstwerken von Thomas und anderen Künstlern dekoriert. Die breite Palette der ausgestellten Medien verbindet auf einzigartige Weise die in den historischen Objekten und Kunstwerken gezeigten Personen mit dem heutigen Ausstellungsbesucher und schafft so ein eindrucksvolles, generationenübergreifendes Gespräch über Identität und Gerechtigkeit. 8. September bis 7. Januar 2024.

Ed Ruscha, News from News, Mews, Pews, Brews, Stews & Dues, 1970. Einer aus einem Portfolio von sechs organischen Siebdrucken, 23 1/16 × 31 7/8″ (58,6 × 81 cm). Das Museum of Modern Art, New York. Gekauft durch die Großzügigkeit von Kathy und Richard S. Fuld, Jr.

„ED RUSCHA / NOW THEN“ wird gemeinsam mit LACMA organisiert und ist die erste Einzelausstellung des legendären Westküstenkünstlers im MoMA sowie seine bislang umfassendste Retrospektive. Die Ausstellung wird Ruschas äußerst experimentelle 65-jährige Karriere anhand von 250 Werken in allen Medien nachzeichnen, darunter seine einflussreichen Drucke und Gemälde (denken Sie an fette Typografie und Standardtankstellen) sowie weniger bekannte Bereiche seiner Praxis. Zu den Höhepunkten gehört Chocolate Room (1970), die einzige Einzelrauminstallation des Künstlers, bei der Hunderte von mit Schokoladenpaste im Siebdruckverfahren bedruckten Papieren die Wände und den Boden säumen. Das ursprünglich für den US-Pavillon während der 35. Biennale von Venedig geschaffene Werk wird erstmals in New York präsentiert und spiegelt einen Künstler wider, der sein Werk immer wieder neu erfunden hat. 10. September bis 13. Januar 2024.

Delvaux, Miniatur-Ledertaschen für Pommes Frites und Burger, 2017. Geschenk von Delvaux.

Mit mehr als 80 Kleidungsstücken und Accessoires untersucht diese Ausstellung, wie Lebensmittel das Modedesign vom 18. Jahrhundert bis heute beeinflusst haben. Über die bloße Präsentation von Kleidung mit kulinarischen Motiven hinaus verspricht „Food & Fashion“ eine durchdachte Analyse von Konsumverhalten, Geschlecht, Nachhaltigkeit, Aktivismus und Körperpolitik. Die Hauptgalerie ist so gestaltet, dass sie einer weitläufigen Lebensmittelhalle nachempfunden ist. Sie beleuchtet zehn Themen: darunter „Zucker, Gewürze und alles Gute?“ untersucht, wie Süßigkeiten verwendet wurden, um idealisierte Weiblichkeit darzustellen, und der Abschnitt „Wachsende Alternative“ diskutiert, wie Slow Fashion von Slow Food und zukunftsorientierten Techniken wie regenerativer Landwirtschaft inspiriert wird. Die herausragenden Stücke der Ausstellung reichen vom Frühjahrskleid 2018 von Comme des Garçons mit Giuseppe Arcimboldos Essensporträt von Kaiser Rudolf II. aus dem Jahr 1590 bis hin zu Issey Miyakes „Bento-Box“ zum 20-jährigen Jubiläum mit plissierten Accessoires, die wie Sushi gerollt sind. Diese Ausstellung bietet nicht nur eine Augenweide, sondern auch jede Menge Denkanstöße. 13. September bis 26. November.

Yvette Mayorga, Scorpion After Porcelain Worker, 2023. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers.

Wenn die Show des Museum at FIT Sie mit Futter versorgt, wird Yvette Mayorgas erste Einzelausstellung im Museum an der Ostküste Ihre Naschkatzen sättigen. Mit ihrer charakteristischen kaugummirosa Acrylfarbe, die sie mit Spritzbeuteln in Bäckereiqualität auf Leinwände aufträgt, untergräbt die in Chicago lebende Künstlerin Vorstellungen von Weiblichkeit als zart und frivol. Stattdessen basiert ihre Arbeit größtenteils auf persönlichen Erzählungen und der Geschichte ihrer Familie als Mexikaner-Amerikaner in den Vereinigten Staaten. Nachdem sie in den 1970er Jahren dorthin ausgewandert war, arbeitete ihre Mutter als Bäckerin in einem Kaufhaus, daher die zuckergussartige Oberfläche von Mayorgas aufwendigen kandierten Reliefs. Hinter dieser fantastischen, zuckersüßen Fassade befasst sich Mayorga mit den harten Realitäten der Latinx-Diaspora, einschließlich Fragen der Grenzkontrolle und der Arbeit, und rekontextualisiert gleichzeitig das Rokoko und andere westliche kunsthistorische Tropen. 15. September bis 17. März 2024.

Annie Leibovitz, Alexandra Fuller, Kelly, Wyoming, 2016.

Annie Leibovitz‘ erste große Museumsausstellung seit Jahren wird mit Sicherheit das Ereignis der Saison. Zusätzlich zu mehr als 100 ihrer ikonischen Fotografien, die im Laufe ihrer fünf Jahrzehnte dauernden Karriere für Vogue, Vanity Fair und andere Publikationen geschossen wurden, wird diese Ausstellung Leibovitz‘ ersten Museumsauftrag überhaupt zeigen, der gleichzeitig der bisher größte Fotoauftrag von Crystal Bridges ist. Die Themen der Serie, die heute zu den einflussreichsten Persönlichkeiten in ihren jeweiligen Bereichen zählen, reichen von Lizzo über die amerikanische Künstlerin Simone Leigh, die Politikerin und Aktivistin Stacey Abrams bis hin zu WNBA-All-Star Brittney Griner. Leibovitz‘ unvergleichlicher Beitrag zur Fotografie wird auch während der jährlichen Party in Crystal Bridges am 14. September gefeiert, deren Erlös der Kunsterziehung zugute kommt. 16. September bis 29. Januar 2024.

Sheila Hicks, Grüne Peluca, 1960-1961, Sheila Hicks.

„Woven Histories“ wird von der National Gallery of Art, Washington, in Zusammenarbeit mit LACMA, der National Gallery of Canada und dem Museum of Modern Art organisiert und wird diesen Herbst seinen ersten Halt in Los Angeles machen. Die Ausstellung untersucht die Beziehung zwischen abstrakter Kunst und gewebten Textilien im vergangenen Jahrhundert und die oft übersehene Rolle dieser miteinander verbundenen Disziplinen bei der Gestaltung der Moderne. Die rund 150 ausgestellten Werke reichen von einem Kleid von Sonia Delaunay aus dem Jahr 1926 über Sheila Hicks‘ garnbasierte Skulptur aus den 1960er Jahren bis hin zu Jeffrey Gibsons Mixed-Media-Version von Handwerkstraditionen der amerikanischen Ureinwohner aus dem Jahr 2019. 17. September bis 21. Januar 2024.

Barkley L. Hendricks, Bassir (Robert Gowens), 1975. Öl und Acryl auf Leinwand. 83 ½ x 66 Zoll (212,1 x 167,6 cm) Nasher Museum of Art an der Duke University, Durham; Museumskauf mit zusätzlichen Mitteln von Jack Neely.

Wenn man Barkley L. Hendricks' unverwechselbare Porträts absolut stilvoller schwarzer Motive betrachtet, fällt einem schnell deren Modernität auf – obwohl sich der verstorbene amerikanische Künstler (1945–2017) von jahrhundertealten Porträts von Künstlern wie Rembrandt und Bronzino inspirieren ließ. Hendricks' Liebe zum Frick schließt sich mit dieser Ausstellung, die seine besten Werke neben den Beständen des Museums präsentiert. Die von Frick-Kuratorin Aimee Ng und dem beratenden Kurator Antwaun Sargent organisierte Ausstellung markiert ein neues Kapitel für das Museum, das sich ständig weiterentwickelt und modernisiert und gleichzeitig einen beispiellosen Einblick in Hendricks Erbe bietet. 21. September bis 7. Januar 2024.

Sarah Biffin, Selbstporträt, ca. 1842. Das Baltimore Museum of Art: Rhoda M. Oakley Prints, Drawings & Photographs Acquisition Fund, Contemporary Deaccessions Endowment, The John Dorsey and Robert W. Armacost Acquisitions Endowment. BMA 2022.199.

„Making Her Mark“ wird gemeinsam vom Baltimore Museum of Art und der Art Gallery of Ontario organisiert und bietet einen umfassenden Blick auf die weibliche Kreativität in allen Disziplinen vom 15. bis 18. Jahrhundert. Während die venezianische Rokoko-Malerin Rosalba Carriera und die französische Porträtistin Élisabeth Vigée Le Brun heute gut bekannt sind, handelt es sich bei der überwiegenden Mehrheit der 200 Werkschaffenden nicht um bekannte Namen, was eine spannende Gelegenheit zum Entdecken darstellt. Die Objekte reichen von Wandteppichen und Kostümen bis hin zu königlichen Porträts und Andachtsskulpturen, wobei die dekorativen Künste in Metallarbeiten, Keramik und Möbeln vertreten sind. Diese Frauen, die im Vergleich zu ihren männlichen Kollegen, die ihre Branchen dominierten, völlig übersehen wurden, haben, indem sie sowohl unabhängig als auch für große Werkstätten arbeiteten, unauslöschliche Spuren in der europäischen Kultur hinterlassen und bekommen nun endlich ihre Ehre. 1. Oktober bis 7. Januar 2024.

Camille Claudel. Hockende Frau, etwa 1884–85. Camille-Claudel-Museum, Nogent-sur-Seine.

Apropos Frauen, deren Ruhm historisch gesehen an zweiter Stelle stand als der ihres männlichen Partners: Die neueste Ausstellung des Art Institute of Chicago dreht sich um eine französische Künstlerin, die unerschrocken den Weg für Bildhauerinnen ebnete. Zu Lebzeiten von Camille Claudel, von 1864 bis 1943, galt die Bildhauerei zwischen ihren körperlichen Anforderungen und der Abhängigkeit von Aktmodellen als eine Männerdisziplin. Nachdem sie im Schatten ihres Lehrers Auguste Rodin gestanden hatte, mit dem sie eine berüchtigte und unglückselige Romanze hatte, entwickelte sich Claudel selbst zu einer äußerst originellen und leidenschaftlichen Bildhauerin der menschlichen Form, was den Kritiker Octave Mirbeau zu der Aussage veranlasste: „Wir sind dabei die Anwesenheit von etwas Einzigartigem, einer Revolte der Natur: ein weibliches Genie.“ Diese Ausstellung, die 60 Skulpturen aus mehr als 30 institutionellen und privaten Sammlungen vereint, stellt für Claudel eine Heimkehr dar – vor 130 Jahren wurde ihre Arbeit in Amerika zum ersten Mal öffentlich auf der Weltausstellung in Chicago 1893 präsentiert. 7. Oktober bis 19. Februar 2024.

Spike Lee als Mars Blackmon in She's Gotta Have It (Spike Lee, 1986, 84 Min.).

Nur wenige Menschen berühren so viele kreative und soziale Branchen wie Spike Lee. Der in Atlanta geborene New Yorker ist für seine preisgekrönten Filme, die sich eindringlich mit Rassenbeziehungen, schwarzer Geschichte und Kultur auseinandersetzen, ebenso berühmt wie für seine Leidenschaft für Sport, Musik, Mode, Kunst und Aktivismus. Diesen Herbst bietet das Brooklyn Museum einen seltenen, äußerst persönlichen Einblick in Lees Leben und Karriere, indem es mehr als 350 Objekte aus seiner Privatsammlung ausstellt. Die Gegenstände reichen von Werken schwarzer amerikanischer Künstler, darunter Jacob Lawrence und Kehinde Wiley, bis hin zu Instrumenten legendärer Musiker und natürlich zahlreichen Erinnerungsstücken aus Film und Sport. Jeder Themenabschnitt der Show wird mit einem Clip aus einem von Lees Filmen gepaart, der die Breite seiner kreativen Vision und seines Geschichtenerzählens demonstriert. 7. Oktober bis 4. Februar 2024.

Edgar Degas (Französisch, 1834–1917), Bügelnde Frau, ca. 1876–87. Öl auf Leinwand; 81,3 x 66 cm. National Gallery of Art, Washington, DC, Sammlung von Mr. und Mrs. Paul Mellon, 1972.74.1

Über Ballerinas und die Bühne hinaus stellte Degas in seinen Drucken, Zeichnungen und Gemälden viele Seiten des französischen Stadtlebens dar. Ab den 1850er Jahren war der Künstler von der Pariser Wäscherin fasziniert – einer Frau aus der Arbeiterklasse, die in den belebten Straßen der Stadt häufig Wäsche wusch, bügelte und schwere Körbe transportierte. Wie viele Jobs für Frauen damals war auch dieser überhaupt nicht gut bezahlt, was einige Wäscherinnen dazu zwang, sich der Sexarbeit zuzuwenden. Degas hat im Laufe seiner Karriere rund 30 Porträts von Wäscherinnen geschaffen, und diese Ausstellung wird sie nicht nur zum ersten Mal zusammen präsentieren, sondern sie auch neben ähnlichen Darstellungen von Degas‘ Zeitgenossen wie Gustave Caillebotte und Henri de Toulouse-Lautrec stellen. und verwandte Ephemera. Innerhalb dieses scheinbar engen Themas gibt es viel über die Arbeit und die soziale Klasse von Frauen zu erfahren. 8. Oktober bis 14. Januar 2024.

John Singer Sargent (Amerikaner, 1856–1925), Mrs. Charles E. Inches (Louise Pomeroy), 1887. Öl auf Leinwand. Museum der Schönen Künste, Boston. Anonymes Geschenk zum Gedenken an die Tochter von Mrs. Charles Inches, Louise Brimmer Inches Seton.

Abendkleid, ca. 1887-1902. Seidensamt mit Seidenfutter in Leinwandbindung. Museum der Schönen Künste, Boston. Anonymes Geschenk zu Ehren von Louise B. Seton.

Wenn man sich die Porträts von John Singer Sargent ansieht, ist es unmöglich, nicht in ihrer modischen Pracht zu schwelgen. Allerdings ist „Fashioned by Sargent“ die erste Ausstellung, die sich diesem Aspekt im Œuvre des amerikanischen Künstlers widmet. Die Ausstellung wird vom Museum of Fine Arts, Boston (MFA) und der Tate Britain (passend, da der Künstler sowohl Boston als auch London als Heimat betrachtete) organisiert und zeigt etwa 50 Gemälde, darunter bedeutende Leihgaben aus Privatsammlungen und Museen – vielleicht nicht mehr als Madame X (1883-1884) der Met. Mehrere Porträts werden zum ersten Mal mit den abgebildeten Kleidungsstücken sowie anderen Mode- und Accessoires-Artikeln aus der MFA-Kollektion vereint. Die Ausstellung beleuchtet nicht nur Sargents Begabung, Stoffe einzufangen, sondern auch die klugen kreativen Freiheiten, die er sich bei der Verewigung seiner Dargestellten nahm. Jede Stilwahl vermittelte eine Botschaft, sei es über den gesellschaftlichen Status oder die Unklarheit der Geschlechter. 8. Oktober bis 15. Januar 2024.

Judy Chicago, Immolation, 1972. Archivierter Pigmentdruck, 36 x 36 Zoll (91,44 x 91,44 cm). © Judy Chicago/Artists Rights Society (ARS), New York. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers.

„Herstory“ erstreckt sich über drei Etagen und ist die bisher größte New Yorker Museumsumfrage der bahnbrechenden feministischen Künstlerin Judy Chicago. Die Ausstellung folgt ihrer 60-jährigen, multidisziplinären Karriere, von ihren skulpturalen Experimenten im Minimalismus der 1960er Jahre bis zu The Female Divine (2022), einer Serie von 11 monumentalen Bannern, die Fragen aufwerfen wie: „Was wäre, wenn Frauen die Welt beherrschen würden?“ (Vor ein paar Jahren zierten sie den Laufsteg der Haute-Couture-Show Frühjahr/Sommer 2020 von Dior.) Das Museum betrachtete diese Ausstellung als Retrospektive und Introspektive, denn nachdem es Chicagos einzigartige, wirkungsvolle Kunst erkundet hatte, die sich mit sozialer Ungleichheit, Umweltschutz usw. auseinandersetzt Völkermord, neben zahlreichen globalen Themen, zeigt die Ausstellung eine Ausstellung innerhalb einer Ausstellung, die andere Frauen feiert. In „The City of Ladies“ sind mehr als 80 Künstlerinnen, Schriftstellerinnen und Kulturschaffende vertreten, darunter Hilma af Klint, Artemisia Gentileschi, Frida Kahlo und Virginia Woolf, die sowohl die Praxis Chicagos als auch die Kunstgeschichte insgesamt geprägt haben. 12. Oktober bis 13. Januar 2024.

Donna Huanca

Seit Faurschou, ein in Kopenhagen ansässiges zeitgenössisches privates Museum und Kunstberatungsunternehmen, 2019 einen Ausstellungsraum in Greenpoint, Brooklyn, eröffnete, ist es für seine zum Nachdenken anregenden Gegenüberstellungen hochmoderner Künstler bekannt geworden. Sein neuestes Duo – die renommierte britische Künstlerin Tracey Emin und die aufstrebende amerikanische Künstlerin Donna Huanca – wird diesen Herbst jeweils Einzelausstellungen haben, die eine Brücke zwischen immersiver Installation und Performance schlagen. Zum ersten Mal in den USA ausgestellt ist Emins „Exorzismus des letzten Gemäldes, das ich je gemacht habe“. 1996 schloss sich die Künstlerin drei Wochen lang nackt in einem Raum einer Stockholmer Galerie ein, um sich mit ihrer Angst und ihren Schuldgefühlen vor der Malerei auseinanderzusetzen, einem Medium, das sie sechs Jahre zuvor aufgegeben hatte. Besucher konnten durch Fischaugenlinsen in den Außenwänden in den Raum blicken. Der gesamte Raum, einschließlich der Dutzenden von Werken, die Emin dort produziert hat, bilden nun diese Installation.

Huancas erste große institutionelle Einzelpräsentation in New York City, SCAR TISSUE (BLURRED EARTH), ist ein multisensorisches Werk, das Gemälde, Skulpturen, Klang und eine Reihe von Live-Performances umfasst. Um die Hierarchie zwischen Künstler, Performer, Betrachter und Institution aufzulösen, konzipiert Huanca Performances mit dem Körper als lebendiger skulpturaler Einheit, oft farbenfroh bemalt. 21. Oktober bis 14. Juli 2024.

Ewa Juszkiewicz, Der Brief (nach Adélaïde Labille-Guiard), 2023 . Öl auf Leinwand. 57 1/16 x 45 1/4 Zoll.

Diesen Herbst wird die polnische zeitgenössische Künstlerin Ewa Juszkiewicz ihre erste Einzelausstellung in Kalifornien haben. Die in Warschau lebende Künstlerin, die zuvor mit Gagosian in New York ausstellte, ist bekannt für ihre surrealen Porträts historischer Frauen, deren Gesichter durch komplizierte Frisuren, aufwendige Stoffe und gewundene Pflanzen verdeckt werden. Mit diesen rätselhaften Werken durchbricht Juszkiewicz kunsthistorische Konventionen, indem er veranschaulicht, wie die Identität von Frauen durch eine patriarchalische Gesellschaft verzerrt und marginalisiert wurde. Um den Gemälden ein Gefühl historischer Authentizität zu verleihen, erforscht Juszkiewicz eingehend die Mode und den Gartenbau, die für die Zeit des Dargestellten angemessen waren. Neue Gemälde, darunter einige der größten Werke, die sie je geschaffen hat (eines ist fast drei Meter hoch), werden die Ausstellung umfassen, und ihr erstes Buch mit der Galerie wird nächstes Jahr veröffentlicht. 3. November bis 22. Dezember.

„Maya Varadaraj: Kein Gefühl ist endgültig“ bei Aicon Contemporary. Bis 9. September.

„Chase Hall: The Bathers“ bei David Kordanksy, New York. 5. September bis 14. Oktober.

„Jeffrey Gibson: ANCESTRAL SUPERBLOOM“ bei Sikkema Jenkins, New York. 6. September bis 21. Oktober.

„Ed Clark: The Big Sweep“ bei Hauser & Wirth, New York. 7. September bis 21. Oktober.

„Nicolas Party: Swamp“ bei Hauser & With, New York. 7. September bis 21. Oktober.

„Awol Erizku: Delirium of Agony“ bei Sean Kelly, New York. 8. September bis 21. Oktober.

Charline von Heyl bei Petzel. 8. September bis Oktober

„Bilder, die Mädchen machen: Porträts“ bei Blum & Poe, Los Angeles. 9. September bis 21. Oktober.

„María Magdalena Campos-Pons: Siehe“ im Brooklyn Museum. 15. September bis 14. Januar 2024.

„Adam Pendleton: To Divide By“ im Kemper Art Museum. 22. September bis 15. Januar 2024.

„Manet/Degas“ im Metropolitan Museum of Art. 24. September bis 7. Januar 2024.

„Henry Taylor: B-Seite“ im Whitney. 4. Oktober bis Januar 2024.

„Wolfgang Tillmans: Ohne Angst schauen“ bei SFMOMA. 11. November bis 3. März 2024.